ITA/ENG scroll down

Gli artisti si appropriano della realtà virtuale e la ri-programmano ribaltando gli schemi di senso: giocano con l’interfaccia grafica del desktop e con le strumentazioni software, assaltano e saccheggiano le grandi piattaforme informatiche. La nuova frontiera di questi art-hacker contemporanei è presentata dalla galleria irlandese Lewis Glucksman in una screening-exhibition itinerante a cura di Chris Clarke che, dal 2 al 30 Marzo 2012 in diverse sedi, consentirà di esplorare il nuovo universo virtuale attraverso l’occhio d’artista. Peggy Ahwesh, Paul B. Davis, Michael Bell-Smith, Cao Fei, solo per fare alcuni nomi: tutti da scoprire anche a distanza. Un nutrito volume critico accompagna l’esibizione componendo un saggio sulla storia della “media art” e dell’“hacktivism”. Non può mancare un videogame: giocando ci si aggiorna!

_____________________________________________________________________________________________________________________

The artists impound virtual reality and they reprograme it upsetting the patterns of meaning: playing with graphic interface of the desktop and software tools; attacking and sacking the big computing platforms. The new frontiers of this contemporary art-hackers is proposed from the Irish Lewis Glucksman Gallery in a roving screening-exhibition curated by Chris Clarke. From March 2 to 30, it will be possible to explore, in different art spaces, the new virtual universe seen  by artist’s eyes. Among the others Peggy Ahwesh, Paul B. Davis, Michael Bell-Smith, Cao Fei: artists to be discovered also from a distance. The exhibition is completed by a rich critical essay, that constitutes a  text on the history of “media art” and  “hacktivism”. And, of course, the exhibition wouldn’t be complete without a game: playing you can keep upgraded!

Lewis Glucksman

Quest’anno, il Rushes Soho Shorts Festival di Londra, giunto ormai alla quattordicesima edizione, si svolgerà dall’11 al 20 luglio 2012 presso l’ICA – Institute of Contemporary Arts. Altri eventi paralleli, come incontri con artisti e workshop, saranno ospitati in tutta Soho, e il festival si avvarrà inoltre della collaborazione di prestigiose accademie come BAFTA – British Academy of Film and Television Arts, o di vivaci organizzazioni culturali come The Hospital Club.

Numerose sono le categorie alle quali poter partecipare con opere video (inserite nei contesti “UK” e “International”): “Animation”, “Documentary”, “Music Video”, oltre che opere cinematografiche e di videoarte. I lavori dovranno pervenire al festival entro il 5 aprile 2012.

Dodici ore non stop di videoarte il 25 febbraio 2012 alla Galleria Arte Boccanera di Trento.
ON VIDEOS for hours and hours è un videoart event ideato Giancarlo Sciascia e a cura di VisualContainer, per aggiornarsi sulle ultime proposte in materia di videoarte all’interno del panorama artistico italiano e internazionale: una selezione di 17 artisti e di opere prodotte degli ultimi tre anni per fare il punto sui linguaggi e le tendenze contemporanee.
Il progetto si propone di avvicinare il fruitore artistico abituale o occasionale alla ormai matura forma d’arte video, fornendo una guida critica per districarsi tra correnti, forme e modalità espressive e offrendo un’ immersione esplorativa all’interno della disciplina artistica. Simboli, suggestioni, paradossi visivi, premonizioni ambientali, in una ricerca intima e sociale che porta una luce nuova sulla realtà contemporanea.

_____________________________________________________________________________

On show on February, 25 at Galleria Arte Boccanera (Trento), twelve hours nonstop of video art. ON VIDEOS for hours and hours is a VideoArt Event ideated by Giancarlo Sciascia and curated by VisualContainer to present the latest national and international proposals emerging on video art scene: a selection of 17 artists and works of the latest three years to highlight the contemporary languages and trends. The project aims at bring the public closers to video art, offering  a critical guide to orient in currents, forms and ways of expressions, with an exploration into the art form. Symbols, suggestions, visual paradoxes, environmental prophecy concur to compose an intimate and social research that brings a new light on contemporary reality.

Galleria Arte Boccanera | VisualContainer

Christian François Bouche-Villeneuve (Neuilly-sur-Seine, 29 luglio 1921) è meglio noto come Chris Marker. Regista, sceneggiatore, montatore, direttore della fotografia, produttore cinematografico e fotografo francese. Vicino al movimento della Nouvelle Vague francese, per le tematiche, lo stile e il carattere di rottura con il passato delle sue opere, Marker esordì negli anni cinquanta.
La Jetée è il cortometraggio del 1962, che gli diede fama internazionale, tappa importante della narrazione audiovisiva. I tratti salienti dell’opera risiedono nella trama fantascientifica e nella tecnica. Una successione di immagini fotografiche fisse (diaporama) sono accompagnate da una voce fuori campo. L’ambientazione post-atomica (il 1962 è l’anno della Crisi dei missili a Cuba) in un ambiente sotterraneo, si alterna alle visioni di un passato ameno. Nei sotterranei: scienziati conducono ricerche sul viaggio nel tempo e sulla mente dei prigionieri e la successione lineare del tempo viene scardinata dalla stessa narrazione filmica, ed é scandita dalla ricorrente immagine di una donna misteriosa e dei ricordi di un uomo, punto d’incontro tra passato e presente. La trama si apre e si conclude nel medesimo istante spazio-temporale: il molo di partenza dell’aeroporto di Orly a Parigi. Da qui il titolo: La Jetée. L’uso della fotografia al posto dell’immagine in movimento, si allinea con la percezione comune dei ricordi. Nel film ‘L’esercito delle dodici scimmie’ (1995) Terry Gilliam si è ispirato a La Jetée.

Per partecipare alla VII edizione di Magmart – International Videoart Festival di Napoli è possibile inviare le proprie opere fino al 29 febbraio 2012.

Anche quest’anno Magmart, oltre a valersi di importanti partner istituzionali come il PAN – Palazzo delle Arti di Napoli e il CAM – Casoria Contemporary Art Museum, collabora con una serie di festival internazionali con i quali ha creato una rete di scambi che ha dato vita a mostre e rassegne a tema sulla videoarte. Questi prestigiosi festival sono: FONLAD, Oslo Screen Festival, FIVA, Art Video Exchange, Athens Video Art Festival, AllArtNow, Activa, elmur.net.

ITA / ENG (scroll down)

Fino  a metà maggio in programma al Museo Marino Marini di Firenze, International Feel – Live at the Museum, ciclo di eventi che presentano performance di musica e video art con alcuni dei più grandi artisti internazionali. In calendario nomi quali Fennesz, Carter Tutti (progetto di Cosey Fanni Tutti e Chris Carter), Mouse on Mars, che si esibiranno in live set proponendo combinazioni sperimentali di arte visuale e musica elettronica. Prossimo protagonista della rassegna, partita il 27 gennaio con Alva Noto, sarà Fennesz (17 febbraio). L’artista austriaco, sonorizzerà il capolavoro del cinema muto ‘Berlino Sinfonia di una grande città’, girato da Walter Ruttmann nel 1927, accompagnando la narrazione di un’intera giornata a Berlino, dalle prime luci dell’alba alla mezzanotte, alla scoperta della vita, del lavoro e del divertimento dei cittadini.

_____________________________________________________________________________

Until the month of May at Museum Marino Marini (Florence) will be held International Feel – Live at the Museum, a cycle of events that present music and videoart perfromances with some of the most acclaimed international artists. Artists as Fennesz, Carter Tutti (a project by Cosey Fanni Tutti and Chris Carter), Mouse on Mars, will perform live, proposing experimental combinations of visual art and electronic music. The next artist of the kermesse that started on January 27 with Alva Noto, will be Fennesz (February 17). The artist will work with the sound on a masterpiece of the silent cinema, the film ‘Berlin Symphony of a great city’, shot by Walter Ruttmann in 1927, companied by the narration of a day in Berlin, from the first light until midnight, revealing the life, the work, the ways of having fun of the people.

Image credit: Alva Noto, sold out 27.1 fotoVanni Bassetti

www.internationalfeel.it | www.museomarinomarini.it

ITA / ENG scroll down

RONI LANAV & HAIDI MOTOLA, Fire Works, 2009, 4’59 | Courtesy of the artists

C’è una famiglia che da cinque generazioni si dedica all’arte dei fuochi d’artificio, l’azienda Grucci, la più vecchia e rinomata d’America in tale settore. Fra gli esponenti della quinta generazione c’è Felix, manager genio del computer, ideatore di un software capace di costruire immagini a mezz’aria, programmandone e monitorandone via computer lo scoppio di ogni granata al momento e all’ altezza giusti, evitando la ricaduta dei lapilli sul pubblico. I “fuochi Grucci” hanno illuminato l’inaugurazione dei presidenti americani, le Olimpiadi, summit economici, fiere mondiali e supportato le operazioni artistiche dell’artista cinese Cai Guo-Qiang, producendo, fra gli altri, nel 2003 l’arcobaleno sopra l’ East River a New York, per l’ apertura del nuovo museo MoMa nel Queens. Ci sono fuochi tuttavia, che si sottraggono alla computerizzazione e alla logica della spettacolarizzazione. Sono quelli proposti da Roni Lanav e Haidi Motola nel video Fire Works (2009), fuochi che mascherano il malessere della terra di Israele e, camuffandone la contraddizione socio-politica intrinseca, la espongono. La veste di un paese festoso cela una realtà di guerre e rivalità, di bombardamenti su Gaza – la “colonna sonora” del video in analisi. Henri Cartier-Bresson sosteneva, seppur nell’ambito di un contesto diverso, che il potere di una singola immagine esprime l’essenza delle cose infinitamente meglio di qualsivoglia parola. In un cielo “elettrizzato” gli artisti mettono in gioco il potere illusorio dell’immagine nel feticismo malato di questa nostra generazione e spingono a prestare attenzione alla grammatica fonetica, per costruire con la percezione e la coscienza una realtà sovrastante, che – forse – è quella più verisimile, e a sondare l’impenetrabilità dell’apparenza.

_________________________________________________________________________________

There is a five generations family dedicated to the ‘fireworks art’, Grucci’s company, the oldest and most renowned of America in this field. Among the exponents of the fifth generation is Felix, manager and ‘computer genius’, creator of a software capable to build images in mid-air, to program and monitor via computer each grenade outbreak at right moment and height, to avoid relapse lapilli on the public. The “Grucci fireworks” illuminated the inauguration of U.S. presidents, the Olympics, economic summits, world fairs and supported the Chinese artist Cai Guo-art Qiang, producing, among others, in 2003 the rainbow over the East River in New York, for the opening of the new MoMA in Queens. There are fires, however, which are fleeing from computerization and the logic of the spectacle. These are proposed by Roni Lanav and Haidi Motola in the video ‘Fireworks’ (2009), fires that mask the discomfort of Israel, the contradiction inherent socio-political, exposing them. The mask of a festive country hides a reality of war and strife, war on Gaza – the “soundtrack” of the video. Henri Cartier-Bresson claimed, although in a different context, that the power of a single image expresses the essence of things infinitely better than any word. In a sky “electrified”, the artists question the illusive power of the image in sick fetish of our generation and push to pay attention to grammar, phonetics, to build with perception and consciousness another reality, which – perhaps – is the most probable, and to touch the impenetrability of appearance.

Read VideoPILLS Interview to Roni Lanav & Haidi Motola

courtesy the artist

Adel Abidin ( Baghdad, Iraq, 1973) lavora con il video, la fotografia, l’installazione e vive ad Helsinki (Finlandia).

Sulla scena internazionale dai primi anni del duemila, Abidin ha esposto a tutte le latitudini senza mancare appuntamenti come la Biennale di Sharjah (2011) e finalmente la 54° Veneziana (2011) dove ha rappresentato il Padiglione Iraqueno (per la prima volta presente nella kermesse lagunare dal 1976) con Ping Pong (2009), un video che vede due giocatori contendersi la vittoria su un tavolo diviso da una  donna sdraiata che riceve i colpi sulla pelle nuda, al  posto della canonica rete, metafora delle conseguenze di politiche conflittuali. Le tematiche di attualità, la politica internazionale, le relazioni sociali, il dialogo tra i popoli, gli stereotipi e il confronto tra culture distanti, sono alcune conduttrici del lavoro di Adel Abidin, che l’artista trasforma in metafore efficaci della condizione umana, dal particolare all’universale.

Three love songs è un’opera del 2010 che si compone di tre video proiettati contemporaneamente. Un trittico che ritrae contesti occidentali ben precisi – uno anni cinquanta, uno jazz e uno pop – in cui donne avvenenti interpretano, senza saperlo, canzoni celebrative commissionate da Saddam Hussein durante il regime per esaltare la sua figura e consolidare i consensi. Adel Abidin afferma di voler riflettere su due leve estreme del sentimento umano: l’amore e il terrore, e su come queste siano usate dal potere per governare.

L’ottava edizione del Video Art Festival Miden di Kalamata (Grecia) si svolgerà nel luglio del 2012 all’ Historic Centre of the City. Fino al 15 marzo sarà possibile partecipare con un’opera di videoarte (ma anche di cinema sperimentale, animazione e short film) della durata massima di dieci minuti.

Il Miden è il primo festival di videoarte in Grecia ed è organizzato da un gruppo di artisti che vogliono creare un punto di incontro internazionale per la videoarte. Quest’anno, oltre al programma principale saranno presentate alcune vetrine speciali: “99%”, “2084”, “(un)natural disaster”, “You and i” e “Celebrating”.

Il festival, come per le edizioni precedenti, invita tutti gli artisti legati in qualche modo alla città di Kalamata, di inviare un video a tema sulla città.

ITA /ENG (scroll down)

In occasione di ARTEFIERA OFF – Bologna 27-30 Gennaio 2012, prenderà  vita nel cortile di Palazzo Bevilacqua Ariosti, A.L.I.C.E.’S EYE, PUBLIC VIDEO ART progetto di Elastic Group of Artistic Research e Nicola Evangelisti a cura di Eli Sassoli de’ Bianchi ed Olivia Spatola. Come un organismo vivente, lo spazio geometrico rinascimentale diventerà una griglia prospettica e ottica che porta ad un viaggio mentale là dove l’architettura diventa concetto, pensiero matematico, fuga fisica. Lo spettatore si troverà ad abitare in una dimensione smaterializzata, in continua trasformazione, che ridefinisce la percezione dello spazio tramite l’occhio della macchina. Partendo da alcuni presupposti teorici di Derrick de Kerckhove e Marshall McLuhan con A.L.I.C.E.’S EYE, gli artisti intendono sovrapporre il disegno di una video architettura mentale alla fisicità del monumento in un sistema di multistrati visivi alternando la percezione dello spazio storico, facendolo vivere, battere, pulsare.

_____________________________________________________________________________________________________

In occasion of ARTEFIERA OFF – Bologna 27-30 January 2012, will be presente in the court of Palazzo Bevilacqua Ariosti, A.L.I.C.E.’S EYE, PUBLIC VIDEO ART, a project by Elastic Group of Artistic Research and Nicola Evangelisti curated by Eli Sassoli de’ Bianchi and Olivia Spatola. As a living being the space of the Reinessance will be transformed in a perspective and optical display that leads to a mental trip, when the the architecture becomes concept, mathematical thought, physical escape. The viewer will be in a dematerialized dimension, in a continuous transformation, that redefines the space’s perception through the machine eye. Starting by some theoretical postulates of Derrick de Kerckhove and Marshall McLuhan, A.L.I.C.E.’S EYE aims at overlap the layout of a mental architecture to the monumental materiality in a system of visual multilayer, changing the perception of the historical space, a space that lives, beats, palpitates.

Palazzo Bevilacqua | Elastic Group of Artistic Research