Douglas Gordon (Glasgow, Scozia, 1966) ha vinto il Turner Prize nel 1996 e successivamente ha rappresentato la Gran Bretagna alla Biennale di Venezia del 1997. Il filo conduttore della visione creativa dell’artista è la costante ripetizione di tematiche e soggetti, oltre ad un rapporto particolare con la memoria. Nel corso della sua carriera, Gordon ha in più riprese stravolto gli schemi della video arte, giocando con le linee temporali come nell’opera 24 Hour Psycho del 1993 dove l’artista rallentò il celebre film Psycho di Alfred Hitchcock sino a fargli toccare le 24 ore di proiezione.

Il presente video dal titolo Zidane, A 21st Century Portrait è una sorta di documentario focalizzato unicamente sulla figura del calciatore Zinedine Zidane. 90 minuti in cui Gordon porta all’interno del contemporaneo il concetto storico di ritratto accentuando l’eroismo della figura principale che diviene così una sorta di personaggio mitologico.

Nell’ambito della rassegna di video Visionarios-Audiovisual en Latinoamérica (fino al 25 giugno) l’IILA di Romapresenta la conversazione intorno al tema frontiera e territorio geografico e mediale. Partendo dalla ricerca operata dal curatore Arlindo Machado e dalla creazione di un archivio dell’audiovisivo in America Latina dell’Instituto Itaú Cultural, l’incontro intende affrontare il rapporto globalizzazione/confine, nei duplici termini su cui è costruita la rassegna: territorio e strumento espressivo.

I relatori ospiti, Patricia Rivadeneira (Segretario Culturale IILA), Cecilia Casorati (curatrice, Italia), César Meneghetti (artista visivo e cineasta, Brasile), María Belén Moncayo (direttrice Archivio ESCORIA Nuevos Medios, Ecuador) e Antonio Arévalo (curatore, Cile) sono invitati a confrontarsi sulla mutazione del concetto di appartenenza geografica, sul significato curatoriale ed artistico della rappresentazione attraverso un criterio territoriale o di distinzione tra video arte, cinema e cinema sperimentale alla luce delle diverse possibilità offerte dalla tecnica e dalle scelte stilistiche e concettuali operate dagli artisti e dai cineasti.

Dal 26 giugno 2010 prende il via a New York Lumen, un Festival di video arte e video installazioni, che prevede anche lavori in 3D, sound-based performances, animazioni e interventi di artisti da ogni parte del mondo. Fa parte del SummerFest, una serie di eventi gratuiti che si svolgono negli Staten Island sponsorizati in parte dal NYC Department of Cultural Affairs. Si svolge al 561 Richmond Terrace, Staten Island, NY. Per maggiori informazioni si può visitare il sito http://lumenfest.org/

Un lungometraggio di 29 minuti girato come un video clip. Il film si snoda senza dialoghi. Anger usa come sottofondo e commento sonoro e contestuale la musica della cultura pop degli anni 50 e 60. Il protagonista, il biker Scorpio, interpretato da Bruce Byron, vive in maniera controversa, si intuiscono le sue valenze suicide. Anger allo stesso tempo riesce a scimmiottare il culto erotico dei belli, di James Dean o di Marlon Brando, ma ad inserire le avventure di Scorpio all’interno di una volutamente confusa interpretazione di nazismo, occultismo, cristianesimo. Molto grandi le influenze di questo lavoro su autori come Scorsese o Lynch.

Si tratta di un film maker americano nato nel 1928 a Toledo in Ohio, da genitori greci, e venuto a mancare nel 1992. Ha Insegnato all’Art Istitute di Chicago. Con  Stan Brachage ed altri esponenti del New American Cinema Movement contribuisce nel 1954 alla stesura della rivista Film Culture, fondata da Adolfas e  Jonas Mekas, tanto importante per una visione delle avanguardie dell’epoca. Nel film le immagini sono quasi pensieri sogno, simbolici richiami, immagini-pensiero il cui lavoro emotivo si svolge in continue sequenze di apparizioni circolari.

Chris Marker è lo pseudonimo di Christian François Bouche-Villeneuve. Nasce nel 1921 ed è un regista, fotografo e scrittore che si forma, peraltro  seguendo i corsi di Filosofia di Jean-Paul Sartre. Combatterà come paracadutista a fianco alla Resistenza francese. Junkopia del 1981 unisce la denuncia sociale alla meraviglia. La visione si snoda lentamente e per punti focali, procedendo quasi da un mistero fino ad una sorta di parossistica risoluzione.

:

Lungometraggio in bianco e nero dell’irriverente regista, nato nell’Ohio nel 1932. Pioniere e vetta negli anni sessanta del cinema underground e del cinema gay o meglio dell’estetica “camp”, che tanto influenzò tra gli altri anche Warhol. Jack Smith è generalmente acclamato come uno dei padri della performance art americana. Il film si snoda visionariamente tra corpi, sessualità, vampirismo, morbosità, travestitismo.

Alla Rotonda di Via Besana di Milano, dal 9 giugno all’8 luglio 2010, la mostra You-We + Ablo. 25 Video dalla Collezione Sandretto Re Rebaudengo. Quindici grandi video installazioni creano un percorso nomade, politico e culturale, quasi un giro del mondo immaginario attraverso la trasformazione sociale della realtà.

In occasione della mostra You-We viene inoltre presentato il progetto Ablo, conclusione simbolica della mostra che vuole raccontare come ogni società trovi la propria ricchezza attraverso lo scambio e l’incontro continuo della propria cultura con quelle diverse da sé. Dieci giovani artisti italiani sono stati invitati a creare un video “a soggetto”. Questi artisti hanno girato un video di tre minuti, che vede come protagonista Abdoul Kader Traore.

Chris Cunningham (Reading,1970) è celebre per le sue opere video che abbracciano fantascienza ed horror, quasi fossero dei mini-films. Cunningham ha inoltre creato un ponte ideale tra videoarte e vidoclip musicale, collaborando con visionarie bands di musica elettronica.

Rubber Johnny, inizialmente sonorizzato dalla band electro-experimental Aphex Twins con un estratto di 30 secondi della loro composizione Afx237 V7, divenne poi un vero e proprio corto distorto ed allucinato e Cunningham curò persino il remix del brano. Il clip è pervaso da un’atmosfera in bilico tra sci-fi, horror e mockumentary dove un mutante con le sembianze di un bambino di nome Rubber Johnny vive al buio di un seminterrato in compagnia di un bizzarro Chihuahua.

Viafarini DOCVA di Milano inaugura il 3 giugno la mostra personale dell’artista turco Fikret Atay. I video di Atay sono veri e propri frammenti poetici, distillati di senso e di quotidianità: low tech e ridotti all’essenziale, ma capaci di sintetizzare un mondo che più remoto non potrebbe essere.

Atay parte dalla realtà tradizionale curda, dalla situazione locale della zona in cui vive e lavora; la racconta con un linguaggio semplice, rinunciando a ogni effetto speciale; ne coglie i punti di intersezione rispetto alle trasformazioni in atto nel paese intero e oltre, nel mondo globalizzato. Le sue opere hanno però un carattere fortemente metaforico; partendo da situazioni estremamente circoscritte, finiscono per raccontare questioni e problemi condivisi a livello planetario. L’artista proporrà alcuni video, in particolare si vedranno: Tinica e Goal.